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Tag: arte

Maarten Baas

Maarten Baas

Maarten Baas nasce il 19 febbraio 1978 ad Arsberg in Germania e dal 1979 cresce a Burgh-Haamstede e Hemmen situato nel sud-ovest dei Paesi Bassi; dopo il diploma di scuola superiore, studia presso la Design Academy di Eindhoven nel 1996 e durante gli studi si appassiona alla sperimentazione su materiali e tecniche per analizzare il comportamento dei materiali stessi, che lo portano alla famosa e iconica collezione “Smoke”, costituita da arredi, iconici e non, bruciati attraverso un particolare procedimento, che permette di cristallizzare le forme durante la combustione.

Nel 2005 Baas inizia a collaborare con Bas den Herder, suo partner di produzione: la maggior parte dei suoi disegni sono fatti a mano in studio “DHPH” a Hertogenbosch, nei Paesi Bassi. Nascono da questo rapporto altre importanti collezioni come ad esempio nel 2006 la “Clay Collection”: sedie, tavoli, lampade, ventilatori, tavolini, poltrone…realizzate a mano in una particolare resina colorata in massa, con un effetto finale sorprendente, quasi infantile e provvisorio, come gli oggetti in pongo dei bambini; il successo è enorme e lancia il designer sul panorama internazionale del mondo del design d’autore.

Bass diventa uno dei più influenti designer olandesi degli inizi del 21 ° secolo, ricercato da Musei, collezionisti privati e clienti esclusivi come Louis Vuitton, Swarovski, Dior, Gramercy Park Hotel, Dom Ruinart e Berluti.

Maarten Bass è spesso descritto come un “designer autore”, le sue opere si trovano ai confini tra arte e design; il suo lavoro è conosciuto come ribelle, giocoso, intellettuale, teatrale e artistico, maturando una posizione autonoma nel campo del design, variando in molteplici settori e discipline diverse: progetti concettuali, edizioni limitate, di progettazione di produzione, installazioni, spazi pubblici, architettura, interior design, progettazione del teatro e performance.
Le sue opere si trovano nelle collezioni museali più importanti, come il MoMa, Victoria & Albert Museum, Les Arts Décoratifs, San Francisco Museum of Modern Art, Die Neue Sammlung, Museo Stedelijk e Rijksmuseum, ma anche in alcune celebri collezioni private, come quelle di Brad Pitt, Kanye West, Ian Schrager e Adam Lindemann.

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Mauro Mori _Ferrero1947 collaboration

Mauro Mori

Mauro Mori nasce a Cremona nel 1965 e sin dalla sua giovinezza viaggia molto ed esprime le percezioni dei suoi viaggi attraverso la sua innata creatività manuale; la sua opportunità di incontrare persone e culture, lingue diverse e luoghi insoliti forniscono le idee su cui si basa la sua ricerca e si esprimono nelle sue forme funzionali e figurative personalizzate.
Le forme sono semplici ed elementari come lo stampo della mano che le crea; i materiali creano le sue opere uniche amplificando il patrimonio naturale ed esaltando ciò che la Natura ha creato. Proprio per questi motivi le opere di Mauro Mori sono modellate direttamente dalle mani e non dalle macchine, quindi portano valori emotivi e affettivi, che diventano il valore aggiunto e il fulcro dell’opera stessa.
Solidi blocchi di materiale naturale, spesso lavorati nei loro luoghi di origine, come il legno marino Albizia Rosa delle Seychelles, naturale o ebanizzato, o il marmo italiano, raccolto a mano e lavorato direttamente a Carrara, sono le origini delle forme uniche fatte a mano. La plasticità dei materiali, i rilievi su di essi e l’artigianalità voluta e evidente costituiscono il filo conduttore che attraversa tutto il lavoro del designer e rivela la forma desiderata attraverso un processo di sottrazione. Il suo lavoro si sviluppa attraverso la lettura di simboli e simbolismi, a volte tratti dalla vita quotidiana e talvolta ricercati in precisi periodi storici e contesti geografici e poi tradotti in un linguaggio contemporaneo e personale. La ricerca cambia, trasformandosi e maturando continuamente: si alterna tra induzione e deduzione, appartiene a oggi e si adatta alla vita quotidiana che circonda tutto e si aggiorna costantemente.
Le opere di Mauro Mori identificano un lusso non ostentato, ma nascosto nella materia, senza la necessità di adottare forme decorative o complesse; un lusso che viene celebrato nella preziosità del materiale naturale e delle potenzialità che, attraverso la lavorazione artigianale, vengono espresse nel modo migliore.
La costante ricerca e sviluppo è dimostrata anche dal lavoro sui metalli, che sono lavorati in forma di lastre e rifiniti con ossidazioni e patine: ferro, acciaio e rame , spesso grezzi e mai lucidati sono tra i metalli preferiti, con i quali vengono realizzati esemplari unici, come tutti i lavori del designer.
Nel 1994 Mauro Mori inizia la propria attività e nel 1998 inaugura ufficialmente il suo atelier, Mauro Mori Studio. Nel 2004 Ferrero1947 gli dedica una retrospettiva nella sua galleria di Torino, con pezzi unici in Albizia rosa, Albizia rosa ebanizzata, acciaio e rame.

RaR

RaR

RAR è uno studio fondato nel 2010 in Olanda da due artisti tedeschi, di generazioni molto diverse, ma accumunati dallo stesso percorso di studi e dalle stesse passioni: Beate Reinheimer e Ulrike Rehm.
Beate Reinheimer nasce nel 1943 e si laurea presso la Gerrit Rietveld Academy di Amsterdam nel 1972, tenendo poi presso la stessa Accademia molte conferenze per oltre 25 anni; i suoi lavori in ceramica sono stati esposti in tutto il mondo e sono inclusi nella collezione permanente del Boymans van Beuningen di Rotterdam e del Centraal Museum di Utrecht.
Urike Rehm nasce nel 1976 si laurea presso la stessa Accademia 25 anni dopo e conclude il suo studio alla Sandberg Institute di Amsterdam nel 2011. Il suo lavoro è stato esposto al Stedelijk Museum di Amsterdam e durante la Dutch Design Week di Eindhoven.
I due artisti decidono di mettere insieme passioni e competenze iniziando creare alcuni oggetti di grande poesia, dove la lunga esperienza e la riconosciuta capacità e bravura della Reinheimer si coniugano con la freschezza e la contemporaneità dei lavori di Rehm.
Il tema affrontato è spesso quello dei vasi o contenitori per fiori, dove il fiore stesso diventa superfluo per la bellezza dell’oggetto stesso, da appendere al muro come elemento decorativo. Tra le opere più interessanti dei due artisti si mette in risalto una installazione a parete in porcellana: “Hain”: la collezione è composta da tre alti alberi di porcellana combinati con “funghi” ed è smaltata in verde semitrasparente. I funghi possono essere usati come display. La serie completa è stata prodotta in un’edizione limitata e numerata di 10. Tre set più piccoli sono realizzati in un’edizione di 99.”Hain”, la poetica parola tedesca per “foresta”, ha origine dal fascino dei progettisti per la natura, l’arte e l’architettura. Questo lavoro combina le strutture artistiche della flora, il Wunderkammer del 17 ° e 18 ° secolo e il precedente uso di console in un oggetto affascinante e magico.
Un altra collezione ormai iconica è costituita da più di 60 raffinatissimi vasi da muro- scarabei, tutti diversi, realizzati e dipinti a mano, numerati ciascuno da 1-30 in edizione limitata: gli scarabei, ognuno riferito ad un vero insetto esistente, sono diventati un oggetto molto desiderato da appassionati e collezionisti.

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Studio Job

Studio Job

Le anime gemelle Job Smeets e Nynke Tynagel fondano Studio Job nel 2000, dopo gli studi presso la Design Academy di Eindhoven e in pochi anni diventano pionieri culturali contemporanei, rivoluzionando lentamente preconcetti comuni sui regni distinti d’arte e design. Sforzandosi verso la creazione di Gesamtkunstwerk, che a volte si traduce male in “estetica”, ma più precisamente significa una ‘synsthesis delle arti “o” opere d’arte universale”, lo Studio Job spesso fa riferimento agli ideali estetici del compositore Richard Wagner nella loro pratica che cerca di muoversi verso la più chiara e più profonda espressione delle storie e delle mitologie.

Il lavoro di Studio Job è nel vero spirito del Rinascimento in cui le tecniche vengono scambiate e le discipline vengono ignorate verso la creazione del nuovo, dove le idee e le immagini sono profuse con facilità indipendentemente dai confini geografici o concettuali e sono riproposte in qualcosa di nuovo, in cui la cultura, la spiritualità ed l’estetica convergono in un unico spazio, e dove la produzione e la lavorazione artigianale diventano un ponte tra arte e design, occupando e ridefininendo la zona grigia in mezzo.

Studio Job crea un tipo di lavoro che si rivolge verso il design classico, popolare e contemporaneo e verso l’ arte visiva. Il simbolismo e l’iconografia che crea Studio Job è araldico e regale anche nel suo immaginario cartone animato pop; un lavoro elegante, ma anche istintivo e quasi primordiale.

Job Smeets ama chiamare il loro stile ‘New Gothic’ come dimostra il perfezionismo e l’unicità che sono diventati una delle caratteristiche che definiscono lo studio stesso, mentre Nynke Tynagel parla spesso del lavoro facendo riferimento a un’orchestra sinfonica, allineando il loro processo di creazione con il modo che un pezzo coeso musicale è stato creato da una grande varietà di suoni diversi, ricordando anche che ciascuna delle parti è di pari importanza in quanto si presta alla realizzazione della totalità o della grafica universale.

Lo studio comprende artigiani tradizionali e contemporanei, professionisti, industriali provenienti dalla produzione di mobili, scultori e pittori, specialisti in bronzo fuso, in vetro colorato, taglio laser e stampa 3D, tutti nelle loro diverse specializzazioni, proprio come la citata orchestra. Unico nel lsuo approccio e stravagante nei dettagli, Studio Job annuncia un nuovo momento nella conversazione corrente circa la definizione o mancanza della stessa tra le discipline. Contrariamente alla ambivalenza contemporanea verso le arti decorative, Studio Job sta rivoluzionando la percezione del genere, generando opulenza, ornamenti, complessità, massimalismo, mentre allo stesso rimane impegnato a un elevato livello di artigianalità.

La loro produzione oscilla tra edizioni limitate e pezzi unici per le più famose gallerie e Musei di design del mondo, la collaborazione con famose aziende di design come Moooi, Seletti, Lensvelt e Makkum e i progetti speciali come le scenografie per i concerti della pop star Mika.

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Studio Kolk & Kusters

Studio Kolk & Kusters

Maarten Kolk (1980) en Guus Kusters (1979) lavorano insieme dal 2009, anno di apertura dello Studio Kolk & Kusters. Entrambi laureati con lode alla Design Academy di Eindhoven, sviluppano progetti autonomi e lavori su commissione come allestitori e curatori di mostre ed esposizioni.
Secondo la loro filosofia la poesia si trova in natura e elementi come storia, colore e paesaggio sono il fondamento del loro lavoro, cercando di tradurre questo in oggetti, applicazioni di materiali, mostre e metodi di produzione innovativi.
Lo Studio ha ricevuto il premio Sanoma Jong Il talento e Doen | Materiaalprijs’11 e nel 2009 il loro lavoro“Veldwerk” è stato nominato per il design prijs a Rotterdam. Dal 2013 Maarten Kolk è membro del comitato consultivo della progettazione di industrie creative “Fondo NL” e Guus Kusters è tutor presso la Design Academy di Eindhoven.
I loro primi lavori di grande successo, ancora oggi molto richiesti, sono Erbali di grande poesia, che riprendono l’usanza di molte famiglie aristocratiche e benestanti in molti paesi nordici, ma anche in Francia, in Gran Bretagna e in Italia di creare pannelli decorativi composti da piante e fiori dei propri giardini;
in questo caso gli artisti utilizzano la tradizione, secondo il loro stile e modo di lavorare, attualizzandola attraverso tecniche contemporanee. I fiori e le piante selezionati sono infatti adagiati su diversi strati di tessuto con un effetto soffice, poetico e romantico di forte impatto.
Un altro loro lavoro molto interessante riguarda una collezione di stoviglie dal titolo “Stoviglie da appassire”. Questo set da pranzo floreale in otto pezzi dipinto a mano è prodotto dalla famosa Royal Tichelaar Makkum, azienda manifatturiera olandese nata nel 1572 e specializzata in ceramiche e porcellane d’autore, fornitrice anche della Real Casa.Tradizionalmente, le vernici su porcellana pregiata vengono applicate a mano, rendendo il lavoro ad alta intensità e quindi costoso. In questo progetto Maarten Kolk & Guus Kusters hanno sviluppato tecniche per la smaltatura che non richiedono agli artigiani di dipingere direttamente le stoviglie, ma piuttosto di inserire questo processo durante lo stampo prima della fusione del prodotto, rendendo possibile realizzare diverse copie di un dipinto. Dopo ogni lancio la glassa si lava ulteriormente e si sbriciola, disegnando un chiaro parallelo con fiori appassiti in natura; l ‘immagine del fiore è chiara e nitida dopo il primo lancio, appassendo e sbiadendo dopo più riproduzioni.
Con questa collezione lo Studio Maarten Kolk & Guus Kusters bilancia natura e cultura produttiva, sottolineando la bellezza di entrambi i mondi. Il servizio è composto da due piatti di dimensioni diverse, scodelle, una tazza, una caraffa, un grande piatto da usare come sottopiatto o vassoio e un vaso in 6 o 9 decorazioni diverse.

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Studio Wieki Somers

Studio Wieki Somers

Wieki Somers e Dylan van den Berg studiano alla Design Academy di Eindhoven alla fine degli anni ’90 e nel 2003 fondano lo Studio Wieki Somers, che è focalizzato sulla lettura dell’ambiente in cui viviamo tutti i giorni. L’operato dello studio si distingue per una grande attenzione ai materiali, ricerca tecnologica, e fantasia.

I progettisti lavorano per una grande varietà di produttori internazionali, musei e gallerie, e hanno stabilito un rapporto intenso con alcuni collezionisti privati. Hanno ricevuto numerosi riconoscimenti e le loro opere fanno parte di importanti collezioni, tra cui il Museum of Modern Art di New York, il Centre Pompidou di Parigi, Museo Boijmans Van Beuningen di Rotterdam e il Victoria and Albert Museum di Londra. Ferrero 1947 è orgoglioso di presentare la loro collezioni in edizione limitata di 99 esemplari di vasi, che legano la loro forma ad alcune riflessioni sull’acqua. Il risultato è una collezione molto poetica, di grande artigianalità e preziosità.

In questa collezione il progetto più complesso dal punto di vista artigianale e il più intenso dal punto di vista estetico è “Ice Flowers”: un cubo simile al ghiaccio che si riferisce a Global Seed Vault su Spitsbergen. Un insieme di lastre di vetro stratificate con petali in mezzo che creano una profondità e una nuova scena con il vero fiore vivente. Altro esemplare di grande fascino é “Narcissus”, ispirato al dipinto “Narciso” di Caravaggio; una metafora del rapporto distruttivo tra uomo e natura. Il vaso mostra un fiore isolato in una pozza di olio. “Water Levers” si ispira invece al tema attuale di misurare continuamente i nostri livelli d’acqua a causa dei cambiamenti climatici; la composizione con fiori, volumi all’interno di volumi, uso di diversi livelli d’acqua e una base a specchio, insieme creano una stratificazione inaspettata. “Deepwater” il design delle acque profonde si riferisce all’olio che ha origine sul fondo dei nostri oceani, il cui equilibrio naturale con l’acqua viene interrotto dalle azioni umane; queste azioni possono provocare eco catastrofi come “Deepwater Horizon”. Infine il modello “Erosion” è ispirato al libro “La lecture des Pierres” di Roger Caillois; l’erosione sulla terra è causata da elementi naturali come vento, acqua e ghiaccio glaciale. È il processo mediante il quale la superficie della Terra si logora.

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Memphis-Milano: il fenomeno culturale degli anni '80

Memphis-Milano

Memphis-Milano è il grande fenomeno culturale degli anni ’80 che ha rivoluzionato le logiche creative e commerciali nel design. Nato a Milano nel 1980 dall’idea di Ettore Sottsass e un gruppo di giovani designer e architetti, negli anni diventati famosi designer della scena internazionale, Memphis ha rovesciato tutti i parametri esistenti, proprio perché il suo obbiettivo era la rottura dello status quo dell’industria del design.

Secondo la leggenda Ettore Sottsass si trovava nel suo appartamento di Milano con un gruppo di giovani designer, tra i quali il radicale Michele De Lucchi, per discutere di come il design fosse diventato ormai borghese e irrilevante…intanto si ascoltava la canzone di Bob Dylan del 1966 “Stuck Inside of Mobile with the Memphis Blues Again”. In gruppo decise in questo preciso momento di riunirsi in un collettivo e di creare una collezione completamente nuova, piena di vita e al passo con i tempi, chiamandola appunto Memphis.

Negli anni molti giovani designer passarono per il collettivo, provenendo da paesi e culture diverse e portando tutti il loro personale contributo nel contesto di un manifesto comune; tra essi Martine Bedin, Andrea Branzi; Aldo Cibic, Michel Graves, Nathalie du Pasquier, Peter Shire, Javier Mariscal, George Sowden, Alessandro Mendini, Matteo Thun, Masanori Umeda, Arata Isozaki, Shiro Kuramata, Marco Zanuso jr e molti altri. A tutti loro, e alla supervisione di Ettore Sottsass stesso, si devono i più interessanti progetti del gruppo Memphis.

Memphis ha imposto al design nuove forme, nuovi materiali e nuovi motivi. Una prima collezione nasce nel 1981 con il supporto economico di Ettore Gismondi, presidente di Artemide, ed ha immediatamente un effetto esplosivo: colori sgargianti, abbondanza di decorazioni, coraggiose asimmetrie, mobili verticali totemici…non si era mai visto nulla di simile, catapultando il design nell’universo stravagante e colorato del cinema, dei fumetti e della pop art, alla quale il collettivo guarda con interesse e rispetto.

Gli oggetti di Memphis, prodotti in serie limitata, cercano di sfuggire alla banalità del quotidiano, riprendendo nomi che suscitano in ciascuno di noi un mondo immaginario, con un forte effetto sorpresa grazie alle forme e ai materiali utilizzatili, sopratutto i laminati decorativi della società piemontese di Bra Abet laminati, ma anche le ceramiche e i vetri veneziani per i bellissimi vasi di Sottsass, realizzati secondo le antiche tecniche dei Maestri vetrai veneziani.

Tra i pezzi più iconici della collezione si possono citare la coloratissima libreria Carlton, la lampada Tahiti, il mobile Totem Casablanca, tutti disegnati di Ettore Sottsass, la lampada Oceanic e la sedia first di Michele De Lucchi. le poltrone Oberoi e la lampada su ruote Super Lamp di Martine Bedin, la sedia Palace di George Sowden e molti altri progetti tra arredi, tappeti (straordinari quelli di Nathalie du Pasquier), ceramiche, vetri, argenti, lampade, tessuti…tutti spregiudicati, colorati, coraggiosi e non convenzionali.

Memphis è diventato un simbolo di New Design; la sua influenza è stata immensa nella storia del design ed è ancora oggi molto forte in diversi settori della produzione e non solo: la sua estetica è stata ripresa e abbracciata in diversi campi artistici negli ultimi anni.

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