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22 Lug

Irma Boom

22 luglio, 2016
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Irma Boom è una graphic designer di Amsterdam, specializzata nella fabbricazione di libri: attraverso il suo uso di formati sconosciuti, materiali, colori, strutture e tipografia la designer riesce a trasformare il libro in un’esperienza visiva e tattile di grande fascino. La sua passione per i libri nasce fin da piccola e si nobilita attraverso gli studi.

Irma Boom infatti studia graphic design presso l’AKI Art Academy a Enschede e dopo la laurea lavora per cinque anni presso l’Editoria e Stampa Ufficio del Governo olandese a L’Aia, dove riesce ad arricchire le sue conoscenze teoriche con una quotidiana pratica molto intensa. Nel 1991 fonda lo studio “Irma Boom Office”, che opera a livello nazionale ed internazionale sia nel settore culturale sia in quello commerciale. Tra i suoi clienti: il Rijksmuseum di Amsterdam, Paul Fentener van Vlissingen, Inside Outside, Museo, Boijmans Van Beuningen, Zumtobel, Ferrari, Vitra internazionale, NAi Publishers, Nazioni Unite, OMA / Rem Koolhaas, Koninklijke, Tichelaar, e Camper.

Dal 1992 Boom è stata un critico alla Yale University negli Stati Uniti e tiene conferenze e workshop in tutto il mondo, essendo considerata tra le più autorevoli menti nel campo dell’editoria e della grafica d’ autore. Le sono infatti stati destinati numerosi premi per i suoi disegni dei libri ed è stato il vincitore più giovane di sempre a ricevere il prestigioso premio Gutenberg per la sua opera. Per cinque anni ha lavorato sul “2136 pagine SHV-. The Think Book”, che è stato pubblicato in inglese e cinese ed è considerato il suo capolavoro editoriale.

Il suo progetto per ‘Tessitura come metafora’ dell’artista americano Sheila Hicks è stato considerato dalla Fiera del Libro di Lipsia come‘il più bel libro al mondo’. I suoi libri sono stati esposti in numerose mostre internazionali e sono anche rappresentati nelle collezioni del Museum of Modern Art di New York. La sua collezione di carte da parati, che riprende le immagini, scansione e verticalizzate, dei continenti patrimonio dell’Unesco, sono dei veri capolavori artistici, che riprendono gli stessi concetti e lo stesso modo di lavorare e rappresentare le idee dei suoi preziosi libri.

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22 Lug

Maarten Baas

22 luglio, 2016
lucaluca

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Maarten Baas nasce il 19 febbraio 1978 ad Arsberg in Germania e dal 1979 cresce a Burgh-Haamstede e Hemmen situato nel sud-ovest dei Paesi Bassi; dopo il diploma di scuola superiore, studia presso la Design Academy di Eindhoven nel 1996 e durante gli studi si appassiona alla sperimentazione su materiali e tecniche per analizzare il comportamento dei materiali stessi, che lo portano alla famosa e iconica collezione “Smoke”, costituita da arredi, iconici e non, bruciati attraverso un particolare procedimento, che permette di cristallizzare le forme durante la combustione.

Nel 2005 Baas inizia a collaborare con Bas den Herder, suo partner di produzione: la maggior parte dei suoi disegni sono fatti a mano in studio “DHPH” a Hertogenbosch, nei Paesi Bassi. Nascono da questo rapporto altre importanti collezioni come ad esempio nel 2006 la “Clay Collection”: sedie, tavoli, lampade, ventilatori, tavolini, poltrone…realizzate a mano in una particolare resina colorata in massa, con un effetto finale sorprendente, quasi infantile e provvisorio, come gli oggetti in pongo dei bambini; il successo è enorme e lancia il designer sul panorama internazionale del mondo del design d’autore.

Bass diventa uno dei più influenti designer olandesi degli inizi del 21 ° secolo, ricercato da Musei, collezionisti privati e clienti esclusivi come Louis Vuitton, Swarovski, Dior, Gramercy Park Hotel, Dom Ruinart e Berluti.

Maarten Bass è spesso descritto come un “designer autore”, le sue opere si trovano ai confini tra arte e design; il suo lavoro è conosciuto come ribelle, giocoso, intellettuale, teatrale e artistico, maturando una posizione autonoma nel campo del design, variando in molteplici settori e discipline diverse: progetti concettuali, edizioni limitate, di progettazione di produzione, installazioni, spazi pubblici, architettura, interior design, progettazione del teatro e performance.
Le sue opere si trovano nelle collezioni museali più importanti, come il MoMa, Victoria & Albert Museum, Les Arts Décoratifs, San Francisco Museum of Modern Art, Die Neue Sammlung, Museo Stedelijk e Rijksmuseum, ma anche in alcune celebri collezioni private, come quelle di Brad Pitt, Kanye West, Ian Schrager e Adam Lindemann.

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22 Lug

RaR

22 luglio, 2016
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RAR è uno studio fondato nel 2010 in Olanda da due artisti tedeschi, di generazioni molto diverse, ma accumunati dallo stesso percorso di studi e dalle stesse passioni: Beate Reinheimer e Ulrike Rehm.
Beate Reinheimer nasce nel 1943 e si laurea presso la Gerrit Rietveld Academy di Amsterdam nel 1972, tenendo poi presso la stessa Accademia molte conferenze per oltre 25 anni; i suoi lavori in ceramica sono stati esposti in tutto il mondo e sono inclusi nella collezione permanente del Boymans van Beuningen di Rotterdam e del Centraal Museum di Utrecht.
Urike Rehm nasce nel 1976 si laurea presso la stessa Accademia 25 anni dopo e conclude il suo studio alla Sandberg Institute di Amsterdam nel 2011. Il suo lavoro è stato esposto al Stedelijk Museum di Amsterdam e durante la Dutch Design Week di Eindhoven.
I due artisti decidono di mettere insieme passioni e competenze iniziando creare alcuni oggetti di grande poesia, dove la lunga esperienza e la riconosciuta capacità e bravura della Reinheimer si coniugano con la freschezza e la contemporaneità dei lavori di Rehm.
Il tema affrontato è spesso quello dei vasi o contenitori per fiori, dove il fiore stesso diventa superfluo per la bellezza dell’oggetto stesso, da appendere al muro come elemento decorativo. Tra le opere più interessanti dei due artisti si mette in risalto una installazione a parete in porcellana: “Hain”: la collezione è composta da tre alti alberi di porcellana combinati con “funghi” ed è smaltata in verde semitrasparente. I funghi possono essere usati come display. La serie completa è stata prodotta in un’edizione limitata e numerata di 10. Tre set più piccoli sono realizzati in un’edizione di 99.”Hain”, la poetica parola tedesca per “foresta”, ha origine dal fascino dei progettisti per la natura, l’arte e l’architettura. Questo lavoro combina le strutture artistiche della flora, il Wunderkammer del 17 ° e 18 ° secolo e il precedente uso di console in un oggetto affascinante e magico.
Un altra collezione ormai iconica è costituita da più di 60 raffinatissimi vasi da muro- scarabei, tutti diversi, realizzati e dipinti a mano, numerati ciascuno da 1-30 in edizione limitata: gli scarabei, ognuno riferito ad un vero insetto esistente, sono diventati un oggetto molto desiderato da appassionati e collezionisti.

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22 Lug

Studio Job

22 luglio, 2016
lucaluca

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Le anime gemelle Job Smeets e Nynke Tynagel fondano Studio Job nel 2000, dopo gli studi presso la Design Academy di Eindhoven e in pochi anni diventano pionieri culturali contemporanei, rivoluzionando lentamente preconcetti comuni sui regni distinti d’arte e design. Sforzandosi verso la creazione di Gesamtkunstwerk, che a volte si traduce male in “estetica”, ma più precisamente significa una ‘synsthesis delle arti “o” opere d’arte universale”, lo Studio Job spesso fa riferimento agli ideali estetici del compositore Richard Wagner nella loro pratica che cerca di muoversi verso la più chiara e più profonda espressione delle storie e delle mitologie.

Il lavoro di Studio Job è nel vero spirito del Rinascimento in cui le tecniche vengono scambiate e le discipline vengono ignorate verso la creazione del nuovo, dove le idee e le immagini sono profuse con facilità indipendentemente dai confini geografici o concettuali e sono riproposte in qualcosa di nuovo, in cui la cultura, la spiritualità ed l’estetica convergono in un unico spazio, e dove la produzione e la lavorazione artigianale diventano un ponte tra arte e design, occupando e ridefininendo la zona grigia in mezzo.

Studio Job crea un tipo di lavoro che si rivolge verso il design classico, popolare e contemporaneo e verso l’ arte visiva. Il simbolismo e l’iconografia che crea Studio Job è araldico e regale anche nel suo immaginario cartone animato pop; un lavoro elegante, ma anche istintivo e quasi primordiale.

Job Smeets ama chiamare il loro stile ‘New Gothic’ come dimostra il perfezionismo e l’unicità che sono diventati una delle caratteristiche che definiscono lo studio stesso, mentre Nynke Tynagel parla spesso del lavoro facendo riferimento a un’orchestra sinfonica, allineando il loro processo di creazione con il modo che un pezzo coeso musicale è stato creato da una grande varietà di suoni diversi, ricordando anche che ciascuna delle parti è di pari importanza in quanto si presta alla realizzazione della totalità o della grafica universale.

Lo studio comprende artigiani tradizionali e contemporanei, professionisti, industriali provenienti dalla produzione di mobili, scultori e pittori, specialisti in bronzo fuso, in vetro colorato, taglio laser e stampa 3D, tutti nelle loro diverse specializzazioni, proprio come la citata orchestra. Unico nel lsuo approccio e stravagante nei dettagli, Studio Job annuncia un nuovo momento nella conversazione corrente circa la definizione o mancanza della stessa tra le discipline. Contrariamente alla ambivalenza contemporanea verso le arti decorative, Studio Job sta rivoluzionando la percezione del genere, generando opulenza, ornamenti, complessità, massimalismo, mentre allo stesso rimane impegnato a un elevato livello di artigianalità.

La loro produzione oscilla tra edizioni limitate e pezzi unici per le più famose gallerie e Musei di design del mondo, la collaborazione con famose aziende di design come Moooi, Seletti, Lensvelt e Makkum e i progetti speciali come le scenografie per i concerti della pop star Mika.

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22 Lug

Studio Kolk & Kusters

22 luglio, 2016
lucaluca

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Maarten Kolk (1980) en Guus Kusters (1979) lavorano insieme dal 2009, anno di apertura dello Studio Kolk & Kusters. Entrambi laureati con lode alla Design Academy di Eindhoven, sviluppano progetti autonomi e lavori su commissione come allestitori e curatori di mostre ed esposizioni.
Secondo la loro filosofia la poesia si trova in natura e elementi come storia, colore e paesaggio sono il fondamento del loro lavoro, cercando di tradurre questo in oggetti, applicazioni di materiali, mostre e metodi di produzione innovativi.
Lo Studio ha ricevuto il premio Sanoma Jong Il talento e Doen | Materiaalprijs’11 e nel 2009 il loro lavoro“Veldwerk” è stato nominato per il design prijs a Rotterdam. Dal 2013 Maarten Kolk è membro del comitato consultivo della progettazione di industrie creative “Fondo NL” e Guus Kusters è tutor presso la Design Academy di Eindhoven.
I loro primi lavori di grande successo, ancora oggi molto richiesti, sono Erbali di grande poesia, che riprendono l’usanza di molte famiglie aristocratiche e benestanti in molti paesi nordici, ma anche in Francia, in Gran Bretagna e in Italia di creare pannelli decorativi composti da piante e fiori dei propri giardini;
in questo caso gli artisti utilizzano la tradizione, secondo il loro stile e modo di lavorare, attualizzandola attraverso tecniche contemporanee. I fiori e le piante selezionati sono infatti adagiati su diversi strati di tessuto con un effetto soffice, poetico e romantico di forte impatto.
Un altro loro lavoro molto interessante riguarda una collezione di stoviglie dal titolo “Stoviglie da appassire”. Questo set da pranzo floreale in otto pezzi dipinto a mano è prodotto dalla famosa Royal Tichelaar Makkum, azienda manifatturiera olandese nata nel 1572 e specializzata in ceramiche e porcellane d’autore, fornitrice anche della Real Casa.Tradizionalmente, le vernici su porcellana pregiata vengono applicate a mano, rendendo il lavoro ad alta intensità e quindi costoso. In questo progetto Maarten Kolk & Guus Kusters hanno sviluppato tecniche per la smaltatura che non richiedono agli artigiani di dipingere direttamente le stoviglie, ma piuttosto di inserire questo processo durante lo stampo prima della fusione del prodotto, rendendo possibile realizzare diverse copie di un dipinto. Dopo ogni lancio la glassa si lava ulteriormente e si sbriciola, disegnando un chiaro parallelo con fiori appassiti in natura; l ‘immagine del fiore è chiara e nitida dopo il primo lancio, appassendo e sbiadendo dopo più riproduzioni.
Con questa collezione lo Studio Maarten Kolk & Guus Kusters bilancia natura e cultura produttiva, sottolineando la bellezza di entrambi i mondi. Il servizio è composto da due piatti di dimensioni diverse, scodelle, una tazza, una caraffa, un grande piatto da usare come sottopiatto o vassoio e un vaso in 6 o 9 decorazioni diverse.

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22 Lug

Studio Wieki Somers

22 luglio, 2016
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Wieki Somers e Dylan van den Berg studiano alla Design Academy di Eindhoven alla fine degli anni ’90 e nel 2003 fondano lo Studio Wieki Somers, che è focalizzato sulla lettura dell’ambiente in cui viviamo tutti i giorni. L’operato dello studio si distingue per una grande attenzione ai materiali, ricerca tecnologica, e fantasia.

I progettisti lavorano per una grande varietà di produttori internazionali, musei e gallerie, e hanno stabilito un rapporto intenso con alcuni collezionisti privati. Hanno ricevuto numerosi riconoscimenti e le loro opere fanno parte di importanti collezioni, tra cui il Museum of Modern Art di New York, il Centre Pompidou di Parigi, Museo Boijmans Van Beuningen di Rotterdam e il Victoria and Albert Museum di Londra. Ferrero 1947 è orgoglioso di presentare la loro collezioni in edizione limitata di 99 esemplari di vasi, che legano la loro forma ad alcune riflessioni sull’acqua. Il risultato è una collezione molto poetica, di grande artigianalità e preziosità.

In questa collezione il progetto più complesso dal punto di vista artigianale e il più intenso dal punto di vista estetico è “Ice Flowers”: un cubo simile al ghiaccio che si riferisce a Global Seed Vault su Spitsbergen. Un insieme di lastre di vetro stratificate con petali in mezzo che creano una profondità e una nuova scena con il vero fiore vivente. Altro esemplare di grande fascino é “Narcissus”, ispirato al dipinto “Narciso” di Caravaggio; una metafora del rapporto distruttivo tra uomo e natura. Il vaso mostra un fiore isolato in una pozza di olio. “Water Levers” si ispira invece al tema attuale di misurare continuamente i nostri livelli d’acqua a causa dei cambiamenti climatici; la composizione con fiori, volumi all’interno di volumi, uso di diversi livelli d’acqua e una base a specchio, insieme creano una stratificazione inaspettata. “Deepwater” il design delle acque profonde si riferisce all’olio che ha origine sul fondo dei nostri oceani, il cui equilibrio naturale con l’acqua viene interrotto dalle azioni umane; queste azioni possono provocare eco catastrofi come “Deepwater Horizon”. Infine il modello “Erosion” è ispirato al libro “La lecture des Pierres” di Roger Caillois; l’erosione sulla terra è causata da elementi naturali come vento, acqua e ghiaccio glaciale. È il processo mediante il quale la superficie della Terra si logora.

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6 Mag

Wewood

6 maggio, 2016
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Wewood

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Wewood è un brand portoghese fondato nel 2010 a Granda, risultato della ricerca e sviluppo di Móveis Carlos Alfredo, storica azienda specializzata nella produzione e esportazione di mobili tradizionali in legno massiccio dal 1964: una nuova divisione rivolta design contemporaneo e a forme più sperimentali, senza dimenticare le solide radici legate alla tradizione della lavorazione del legno.

Il catalogo è composto da una parte dedicata alla casa e da un’altra per l’ufficio e il mondo del lavoro; ogni pezzo nasce dalla ispirazione e la creatività di giovani designer di talento e degli architetti, trasformando in realtà tangibile la saggezza e l’esperienza degli artigiani locali. Una piccola e giovane famiglia, che si occupa di tutte le fasi, dalla progettazione alla realizzazione, dalla distribuzione alla vendita. In Portogallo è infatti presente, sopratutto nelle zone limitrofe alla cittadina di Granda, una grande tradizione di piccole aziende manifatturiere dedicate alla esportazione del legno massiccio, in particolare noce e rovere, e di alcuni laboratori per la realizzazione di arredi in essenza.

La Wewood crede nell’importanza della falegnameria di alta gamma con la produzione di mobili massicci al fine di promuovere la cultura e il design portoghese, ancora poco conosciuto nel resto dell’Europa, ma con grande potenzialità e una lunga storia alle spalle; Il team, composto da ragazzi molto giovani, lavora ogni giorno per creare prodotti che rappresentino valori quali la passione, la funzione, l’estetica e il know-how, che testimoniano il dna del marchio.
La dedizione presente in tutte le fasi della produzione, e la combinazione di artigianalità e alta tecnologia certificano un prodotto naturale fatto con passione e competenza.

La collezione include arredi di varia tipologia: contenitori, tavoli, sedie, divani, tutti con la struttura in legno, frutto di una accurata realizzazione artigianale unita ad un design, che evoca forme e proporzioni degli anni ‘ 50, citando apertamente alcuni protagonisti storici del mondo del design, come ad esempio il professore Carlo Scarpa, tra le più note e raffinate personalità del design italiano. A lui è infatti dedicata una credenza, dal nome omonimo, in legno di noce e rovere, con ante scorrevoli intarsiate e gambe dalla tipica linea anni ’50; la stessa credenza è disponibile anche in altre varianti più chiare e meno elaborate.

Un discorso a parte deve essere dedicato alla Smart Shelf del designer Laurindo Marta, che rappresenta uno dei pezzi più iconici dell’intera collezione: una libreria che, grazie a dei perni bloccanti brevettati, può assumere configurazioni diverse, divertendosi a modificarne la forma e le dimensioni. La stessa viene realizzata in rovere chiaro o in noce scuro.

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6 Mag

Vitra

6 maggio, 2016
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VItra

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Vitra è un’azienda svizzera dedicata al miglioramento della qualità delle abitazioni, degli uffici e degli spazi pubblici attraverso il potere del design, fondata a Weil am Rhein nel 1950 da Willi Fehlbaum, proprietario di un negozio di mobili nella vicina Basilea. I suoi prodotti sono sviluppati in un processo impeccabile, di progettazione intensiva, che riunisce eccellenza ingegneristica con genio creativo di designers di fama internazionale. L’obbiettivo, fino dai primi anni ‘50, è di creare interni , mobili e accessori funzionali e stimolanti attraverso alcuni principi guida come la longevità dei materiali, la costruzione impeccabile, l’alta qualità e l’importanza dell’ estetica, come dimostrato dai grandi classici, molti ancora in produzione dal 1950.

I grandi classici americani del design sono infatti stati il punto di partenza del catalogo Vitra, grazie all’accordo già nel 1946 con l’americana Herman Miller per l’acquisto dei diritti di produrrre in Europa la vasta collezione di Charles e Ray Eames. Willi Fehlbaum rimase folgorato dai progetti dei coniugi Eames durante un viaggio in America e volle a tutti i costi produrli e proporli al mercato europeo. Capolavori come la Eames Chair, l’ Alluminium Group, la Upholstered Lounge Chair, L’Elephant Stool, le sedie in Fiberglass….iniziarono quindi ad essere conosciuti e apprezzati anche in Europa grazie a Vitra. Successivamente a questa produzione si sono aggiunte le opere di altri maestri storici del design internazionale come George Nelson, Verner Panton, Jean Prouvé e a seguire, in anni più recenti i lavori di designers e architetti contemporanei come Antonio Citterio, i fratelli Bouroullec, Mario Bellini, Ron Aram, Jasper Morrison, Alberto Meda, Philippe Starck…

Dopo un terribile incendio, che devastò l’intera fabbrica nel 1981, venne chiamato l’architetto inglese Nicholas Grimshaw per progettare il nuovo stabilimento, pronto in soli 6 mesi, al quale si affiancò nel 1986 un altro edificio dell’architetto portoghese Alvaro Siza, iniziando quello che diventerà il futuro Vitra Campus, ovvero il raggruppamento più importante in Europa e probabilmente nel mondo di architetture contemporanee in uno spazio limitato. Tra i molteplici edifici si possono ricordare il Vitra Design Museum di Frank O. Gehry del 1989, il padiglione delle Conferenze di Tadao anno del 1993, la stazione dei Vigili del Fuoco di Zaha Hadid del 1993, l’installazione nel 2003 di una stazione di benzina progettata nel 1953 da Jean Prouvé fino ai più recenti VitraHaus degli architetti di Basilea Herzog & de Meuron del 2010, la struttura Diogene di Renzo Piano del 2013 o la fabbrica dello studio giapponese SAANA del 2013. Il Vitra Campus è diventato in pochi anni una meta molto frequentata dagli appassionati di design e non solo, grazie alle visite guidate nei vari stabilimenti, alle numerose mostre ed esposizioni sul design nel suo museo e a molte iniziative correlate al mondo del design e dell’arte.

Attualmente il catalogo Vitra si divide in 2 parti. una dedicata alla casa, la Home Collection, e una dedicata al contract e all’ufficio, con molta sensibilità verso lo smart working. In queste 2 parti vengono sempre equilibrate le proposte dei Maestri del design come gli Eames, Jean Prouvé, Verner Panton… e i progetti contemporanei di designers come i fratelli Bouroullec, Hella Jongerius, Konstanto Grcic, Jasper Morrison e molti altri.

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5 Mag

Serge Mouille

5 maggio, 2016
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Serge Mouille

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Conosciuto a livello mondiale per il suo lavoro come progettista di apparecchi di illuminazione, Serge Mouille (1922-1988), dopo il diploma nelle arti decorative legate all’argento presso la Scuola delle Arti Applicate di Parigi, fa pratica nello studio dello scultore Gilbert La Croix e, dopo la laurea nel 1941, apre il suo studio.

Nel 1945 Mouille stesso diventa insegnante presso la Scuola delle Arti Applicate e apre un nuovo studio specializzato nella lavorazione del metallo: le sue commesse sono per lo più mancorrenti per le scale, lampadari e ornamenti per le pareti. Nel 1953 Jacques Adnet lo assume a progettare apparecchi d’illuminazione, un’arte a cui dedicherà il resto della sua vita. Durante gli anni ’50 Serge Mouille progetta grandi lampade da parete, da soffitto e da terra, con diversi bracci e forme curve, che ricordano morfologicamente un ragno. Alcuni dei suoi disegni più conosciuti del periodo sono la sua lampada “Oeil” del 1953, “Flammes” del 1954, “Saturno” del 1958. Per tutta la sua vita lavora per ottenere un estetica cinetica e scultorea che evochi un senso di movimento nello spazio, affermando che i suoi apparecchi sono “una alternativa ai modelli italiani, che iniziano a invadere il mercato nel 1950”. I suoi progetti di questi anni vengono esposti e venduti alla Steph Simon Gallery in Boulevard Saint Germain a Parigi, insieme alle opere di Isamu Noguchi, Jean Prouvé, Charlotte Perriand, Pierre Jeanneret e Le Corbusier.

Nel 1955 Serge Mouille diventa membro della Società degli Artisti delle arti Decorative e della Società Nazionale d’Arte Francese; nello stesso anno viene insignito del prestigioso premio Charles Plumet per il suo lavoro e nel 1958 riceve un diploma di onore all’Expo di Bruxelles. Verso la fine del decennio degli anni ’50 Mouille inizia , a progettare apparecchi di illuminazione istituzionali e diventa responsabile per la progettazione dell’illuminazione dell’Università di Antony, arredata da Jean Prouvé, per le scuole di Strasburgo e Marsiglia e per la cattedrale Bizerte, continuando sempre a creare lampade anche per privati e per le più famose gallerie. I suoi modelli più richiesti, da parete e da soffitto, sono quelli più grandi, a 5 e a 7 bracci, chiamati “Araigné” nei colori nero o più raramente bianco.

Negli stessi anni l’invenzione di tubi al neon ispira molto l’artista a creare una serie di lampade da terra che combinino incandescenza e fluorescenza: questi disegni, la collezione “Colonnes”, debuttano al Salone di Parigi del 1962 per il design degli interni e sono alcune delle sue opere tarde più note. Molto diversa dalle precedente collezione, la affiancano senza penalizzarla, avendo due estetiche e due tecnologie completamente diverse.

Nel 1961 Serge Mouille fonda la SCM (Société de Création de Modèles) come un modo per incoraggiare giovani ed emergenti designer di illuminazione; continua a lavorare e ad insegnare per il resto della sua vita, mostrando le sue lampade e i suoi gioielli in diverse mostre in giro per il mondo. Per la sua carriera come artista del metallo e designer riceve, verso la fine degli anni ’60 una medaglia d’onore dalla città di Parigi. Il suo laboratorio non smette mai di realizzare questi capolavori, creati dalle sapienti mani di pochi e selezionati collaboratori; alla sua morte l’atelier viene portato avanti dalla vedova e poi dagli eredi, che continuano a fabbricare la collezione originale, a mano, senza modifiche, numerando e certificando ciascun esemplare.

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5 Mag

PP Mobler

5 maggio, 2016
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PP Mobler

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PP Mobler è un laboratorio di falegnameria danese a conduzione familiare fondato nel 1953 e ha una forte tradizione per la lavorazione di mobili di design di alta qualità. La motivazione è da sempre l’amore per il legno. La filosofia dell’azienda è che la tecnica, l’ingegno e l’artigianato possono essere combinati nella ricerca della qualità.
Il catalogo è quasi totalmente dedicato ai progetti dell’architetto danese Hans J. Wegner, che ha avuto un lungo e importante sodalizio con questa piccola realtà manifatturiera danese; Wegner adorava fermarsi nel laboratorio di PP Mobler, dove le sue idee prendevano corpo; qui poteva toccare con mano e percepire la connessione professionale tra designer e artigiano e sentire l’orgoglio e il rispetto per l’artigianato di alta qualità. Da parte sua il designer ha sempre fornito a questo piccolo laboratorio compiti entusiasmanti e difficili, percependo sempre la richiesta intransigente di qualità e l’impegno a sperimentare il materiale.
Tra il 1960 e il 1968 molti dei prototipi di Wegner furono sviluppati presso PP Mobler prima di entrare in produzione presso altre aziende, mentre dopo il 1968 il designer cominciò a disegnare i primi modelli per la produzione di PP Mobler, evento molto importante per questo piccolo laboratorio, che iniziava ad organizzare un piccolo catalogo in proprio. Wegner continuò ancora con più libertà la sua esplorazione delle possibilità del legno in termini di forma e costruzione.
Oggi PP Mobler produce un’ampia selezione di mobili di Wegner, la maggior parte sedie, sopratutto quelle con la costruzione più complessa, che nessun altro potrebbe realizzare. Tra queste la “The Round One”, come amava chiamarla Wegner con la sua tipica modestia provinciale, è uno dei mobili danesi più famosi al mondo, riassumendo in un modo semplice e modesto l’essenza della tradizione della lavorazione del legno e della filosofia del design danese. E’ l’opera più importante di Hans. J. Wegner.
Quando Johm F. Kennedy e Richard Nixon si incontrarono nel primo dibattito elettorale televisivo del 1960, si sedettero sulla Round Chair, scelta principalmente per il suo grande confort e per la sua genuina qualità; alla fine gli americani trovarono un nome nuovo e più eloquente per questa sedia: la chiamarono, e continuano a chiamarla, semplicemente “la sedia”.
Nel catalogo di PP Mobler trovano spazio molti atri progetti di Wegner, non solo sedie, ma anche poltrone, tavoli e scrittoi, come ad esempio la Peacock Chair del 1947, la Folding chair del 1949, la Papa Bear Chair del 1951, la Rocking chair del 1984, la The Circle Chair del 1986…
Un discorso a parte va riservato alla poltrona da relax Flag Halyard Chair del 1950, uno dei rarissimi progetti di Wegner non in legno, ma con una struttura in acciaio inossidabile e 240 metri di corda a formare il sedile e lo schienale, con l’aggiunta di una pelle di montone dal pelo lungo appoggiata sopra. Pur avendo ovvie preferenze per il legno, Wegner mostra in questo progetto il suo audace e coraggioso appetito per la creazione. Con la Flag Halyard Chair il designer rende omaggio ai primi designers modernisti come Le Corbusier, Mies van der Rohe e Marcel Breuer, e dimostra di essere in grado di padroneggiare l’acciaio inossidabile con la stessa eleganza del maestro del legno. La Flag Halyard Chair rimane uno dei più alti esempi di design danese e una delle poltrone reale più desiderate al mondo.

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